Una película, como sabes, es básicamente una secuencia de tomas. Las tomas en sí mismas pueden ser hermosas o extrañas, cinéticas o estáticas, brillantes o oscuras. Y, vistas individualmente, pueden llevar algún significado. Pero el verdadero poder del cine narrativo viene cuando unes esas tomas. De repente tienen contexto. Reaccionan entre sí, sorprendiéndonos o tranquilizándonos. 


Cortadas juntas, estas tomas pueden crear nuevos niveles completos de significado y evocar emociones de maneras que solo el cine puede hacer.
Y la persona cuyo trabajo es hacer esos cortes, descubrir esa alquimia emocional y narrativa, es... el editor. Como los directores de fotografía, diseñadores de producción, vestuaristas y maquilladores, los editores deben ser parte técnico, parte artesano y parte artista creativo. 

Son responsables de comprender la tecnología de la postproducción, desde el software de edición hasta la integración del diseño de sonido, la música y los efectos especiales. 

Pero también necesitan tener una comprensión profunda de la gramática cinematográfica, un instinto visceral por el personaje y un poderoso sentido del tiempo. Son los guardianes finales de la historia y el paisaje emocional de la película.

Una película narrativa es algo muy frágil, y un corte mal ubicado puede cambiar drásticamente su significado e impacto. 

Pero por crucial que sea, el trabajo del editor también consiste en ocultar su trabajo. Por lo general, su objetivo es hacer que los cortes parezcan tan perfectos que el público ni siquiera los note. Como tantos grandes artistas, los mejores editores hacen que su trabajo parezca sin esfuerzo. ¡Pero créeme, no lo es! Entre sus deberes, los editores deben ser capaces de clasificar horas y horas de metraje crudo para encontrar la historia. Deben entrenar su memoria visual para recordar las pequeñas diferencias entre tomas e imaginarse cómo podrían ser cortadas juntas. Deben ayudar al director a separar la película que querían hacer de la película que realmente filmaron. 

Son ojos frescos, sin los desafíos de conseguir una toma o la decepción de una actuación que no salió como se esperaba.


Los editores también deben tener el criterio para reconocer cuándo la historia no está funcionando y las habilidades y experiencia para ofrecer algunas soluciones. Otra forma de pensar en esto es que los editores son el primer público para una película. Un público con el poder de cambiarla y mejorarla aún más. Entonces, ¿cómo lo hacen?
En el principio, los editores trabajaban con cuchillas de afeitar y cinta para cortar físicamente la película en tomas y luego unir esas tomas. Era un trabajo laborioso. 


Un corte podía llevar varios minutos, a diferencia de los segundos que lleva hoy con el software de edición. También era más difícil experimentar con varios cortes. No había una manera fácil y rápida de retroceder y deshacer un editado en particular. Solo más cuchillas de afeitar, cinta y tiempo. 


Una máquina de edición llamada Moviola se convirtió en equipo estándar para los editores en la década de 1920, ¡y no un momento demasiado pronto! Además de agilizar el proceso, la Moviola permitía a los editores ver la película mientras hacían sus cortes. 


Luego, en la década de 1970, llegaron sistemas de edición planos como el Steenbeck y el KEM. Ahora los editores podían mover la película hacia adelante y hacia atrás para examinar sus ediciones, y escuchar la banda sonora grabada mientras avanzaban.


Los editores no lineales principales incluyen Avid, Final Cut Pro de Apple y Adobe Premiere. Cada sistema tiene sus ventajas y desventajas, y cada editor debe averiguar qué funciona mejor para cada proyecto en términos de presupuesto, flujo de trabajo y facilidad de uso. Ahora, cuando llega el metraje del set, el primer paso del editor es crear un corte de ensamblaje. Este es una versión muy rudimentaria de la película que corta cada escena juntos en su forma más básica. 
A menudo son muy largos y a veces contienen múltiples tomas de una toma dada. El objetivo del corte de ensamblaje es que el director y el editor vean si han capturado la historia. ¿Faltan puntos de trama importantes? ¿Se puede lograr el tono deseado con el metraje que tienen? ¿Hay problemas técnicos con el metraje? ¿Los personajes tienen sentido? ¿Dónde están los agujeros en la trama?
Ver un corte de ensamblaje por primera vez a menudo es una experiencia alegre y dolorosa. Ahí está tu película, toda junta, cobrando vida por primera vez ante tus ojos. 


¡Pero también suele ser un monstruo de Frankenstein de callejones sin salida, tomas perdidas y actuaciones que aún no se han ajustado correctamente! ¡Pero no entres en pánico! ¡Porque hay más trabajo por hacer! El siguiente paso en el proceso es hacer un corte áspero, o varios de ellos. Este es el momento para experimentar, para repensar la estructura de la película. ¿Qué pasa si esta escena va aquí? ¿Qué pasa si movemos esta línea a la siguiente escena? ¿Realmente necesitamos esta subtrama, o este momento, o esta toma? ¿Cómo podemos construir la tensión, animar una escena plana o hacer que una broma sea más divertida? 

El editor utiliza cortes ásperos para concentrarse en las partes más grandes de la película que no funcionan. También es donde los cineastas pueden comenzar a tener una idea de cuál será la duración final de la película. Una vez que esos problemas se han resuelto, el editor pasa al corte fino. En este punto, los problemas son más pequeños, pero no menos significativos. Es hora de afinar actuaciones, maximizar el impacto emocional, recortar algunas tomas y extender otras. Es aquí donde preguntas: ¿Cuándo cortamos de un personaje a otro? ¿Es mejor extender esta toma por un fotograma? ¿Dos fotogramas? ¿Cinco? ¿Cómo podemos ocultar nuestro tiburón animatrónico malo? 

Dos fotogramas pueden hacer la diferencia entre Jaws y Sharknado. Luego llegamos al corte final. En este punto estamos logrando un "corte bloqueado", lo que significa que no hay más cambios en la duración o el orden de ninguna toma en la película. Se está realizando la corrección de color. Los efectos visuales y de sonido están llegando. La música se está componiendo, grabando y seleccionando. Se está grabando ADR, o reemplazo de diálogo automático, y se está agregando a la película. Y todo se está mezclando para que cada imagen y sonido en la película exista en un equilibrio adecuado, cumpliendo la visión del director, que ahora está trabajando a través del editor y el equipo de postproducción.

Cada paso en este proceso es específico e importante, pero no necesariamente distinto. Cada película es diferente, por lo que a menudo estas etapas se mezclan entre sí. El editor podría tener una idea brillante de reestructuración en la etapa del corte fino, y abrir la película nuevamente para reorganizar algunas escenas. O el director podría tener un repentino deseo de extender un momento emocional crucial justo cuando la película está bloqueando la imagen. Sin importar cómo suceda, una vez que se completan todos estos pasos, también lo está la película. Y en cada paso de este proceso, el editor deja una marca indeleble en el proyecto... incluso si no siempre es obvio.


Uno de los efectos más poderosos del trabajo del editor es la capacidad de cambiar la perspectiva de una película. A quién corta la película, en qué momento y cuánto tiempo permanece en un personaje puede influir en la identificación del público con un personaje y su experiencia. Los editores pasan mucho tiempo haciendo preguntas como: "¿De quién es esta escena?" y "¿Por qué?" Por lo general, seguido de "¿Tiene que ser así?" y "¿Qué pasa si lo intentamos desde otro punto de vista?" Muy a menudo, el director está en la habitación para estas conversaciones, y si pueden estar abiertos a ello, las ideas de un editor a veces pueden cambiar la forma en que piensan en la película, abriendo nuevas y emocionantes posibilidades.

Cuanto más películas haces, más te das cuenta de que no puedes separar la filmación y la edición. Están unidos. Las tomas informan la edición y permiten toda la experimentación que está por venir. Los directores de fotografía pasan mucho tiempo de su propio tiempo de preparación pensando y hablando sobre cómo podrían cortarse sus tomas. Todo está diseñado para contar la historia y evocar las emociones deseadas. Y gran parte de ello se reduce a cuándo cortar.
Y cómo el ritmo de esos cortes contribuye a la experiencia emocional y narrativa de la historia. Los mejores editores colaboran muy de cerca con los directores y sacan lo mejor de su trabajo. 


La gran Thelma Schoonmaker ha estado editando películas de Martin Scorsese desde los primeros días de su carrera, desde los cortes de Raging Bull hasta la contemplativa quietud de Silence. Stephen Spielberg ha trabajado con el editor Michael Kahn desde Close Encounters of the Third Kind. Quentin Tarantino ha elogiado durante mucho tiempo a la fallecida Sally Menke por domar sus impulsos y dar orden a sus películas, desde Reservoir Dogs hasta Inglorious Basterds. Walter Murch es uno de los grandes de la edición. Ha editado todo, desde Apocalypse Now y The Godfather hasta The English Patient. 


Fue uno de los primeros editores de la vieja guardia en cambiar a un sistema de edición no lineal, y escribió el libro sobre edición de películas, llamado In the Blink of an Eye. 


En él, establece sus seis prioridades para pasar de una toma a otra. 


La primera es la emoción. ¿Cómo afecta la toma emocionalmente al público? ¿Qué quieres que sientan? ¿Y un corte añade a esa emoción, o la quita? 


La segunda es la historia. ¿El corte hace avanzar la historia? Cada corte debe hacer avanzar la historia, no estancarla. 


La tercera prioridad de Murch es el ritmo. Al igual que la música, cree que la edición debe tener un ritmo, un compás, un sentido de fraseo. ¿Es interesante el corte aquí, o aburrido? ¿Qué hace a la ritmo de una escena? ¿Sacudirlo? ¿O aplanarlo? 


La cuarta es algo que llama seguimiento ocular. ¿Cómo afecta el corte a dónde se enfoca el público en el cuadro? El editor debe ser consciente de dónde quiere que el público mire, y luego usar eso para sorprender o confirmar sus instintos, dependiendo de lo que la escena esté tratando de lograr.
Las dos últimas prioridades cargan al editor con ser consciente tanto del plano bidimensional de la pantalla como del espacio tridimensional. Estas son formas elegantes de decir que el corte tiene el poder de mantener o desorientar al público en cuanto al espacio físico dentro de la escena. 

En resumen, el editor debe ser consciente de cómo el corte afecta la comprensión del público del mundo de la película. 
Los editores son tan vitales para el proceso de realización de películas como de perfil bajo. 
Para cuando la película se proyecta en un teatro, nadie conoce el metraje, los golpes emocionales, el ritmo y las actuaciones mejor que el editor. Sin ellos, solo tendríamos un montón de metraje aleatorio.
Con ellos, tenemos magia. Hoy hablamos sobre el trabajo del editor, tanto como técnico como artista. Aprendimos sobre la historia de la edición de películas, desde cortar físicamente la película hasta usar software de edición digital. 
Y exploramos el impacto de las decisiones que un editor toma en colaboración con el director, y cómo esos cortes pueden dar vida a una película. 

La próxima vez exploraremos el marketing, el trabajo sorprendentemente creativo realizado después de que la película sea editada, mientras los distribuidores intentan vender la película a su público objetivo.