Las películas están compuestas por una serie de imágenes. Algunas son hermosas, otras son duras, y algunas se quedan grabadas en nuestra mente para siempre. 


Como las naves espaciales que se desplazan suavemente en 2001: Una Odisea del Espacio. O Peter O'Toole cabalgando por el desierto en Lawrence de Arabia. 


O Darth Vader emergiendo del humo en Star Wars. Pero, ¿quién realmente toma estas imágenes? Si el director es quien establece la visión para la película, ¿de quién es el trabajo de dar vida a esa visión? Esa es la persona que coloca las imágenes en las películas en movimiento. El director de fotografía.
Los directores de fotografía deben ser artistas, ingenieros, fotógrafos y narradores, todo al mismo tiempo. A veces escucharás que al director de fotografía se le llama también director de fotografía o "DP". Pero no te confundas, es el mismo trabajo.

 

En algunas partes del mundo, prefieren un título sobre el otro, pero en general, los dos títulos son intercambiables. 


Y sin importar cómo se llamen a sí mismos, su trabajo básico es traducir la visión del director en cosas como encuadre, iluminación y movimiento de cámara, para que la historia, las emociones y los temas de la película se transmitan visualmente. Un director de fotografía no solo debe poseer grandes habilidades técnicas, sino también entender los elementos narrativos fundamentales de la película, el arco de los personajes y cómo las tomas pueden cortarse juntas en la sala de edición. Y el trabajo comienza mucho antes de que las cámaras comiencen a rodar. 

Durante la preproducción, el director de fotografía reúne al departamento de cámara, planea las tomas con el director y determina cualquier equipo especial que pueda ser necesario para la filmación, desde grúas y dollys hasta steadicams y lentes especiales. También ayudan al director a decidir qué tipo de película o cámaras digitales usar y cuál será el aspecto general de la película. Durante la producción misma, el director de fotografía supervisa la iluminación y el rodaje de la película, toma por toma. Esto incluye supervisar el departamento de cámara y trabajar muy de cerca con el departamento de iluminación, cuyo líder, recordarás, es el gaffer. 

Dado que las imágenes son técnicamente solo un registro de la luz que rebota en los objetos, el gaffer es fundamental para lograr las imágenes que componen la película. 

Y cuando se trata de las luces en sí mismas, el director de fotografía tiene mucho para elegir. 


Por ejemplo, hay luces Fresnel, que utilizan lentes especiales llamadas... lentes Fresnel... para producir una luz amplia y dura que se suaviza en los bordes. Comúnmente utilizadas para la iluminación teatral, estas luces pueden calentarse muy rápidamente. 


Las luces fluorescentes son mucho más frías y suaves, pero son bastante frágiles, lo que importa en un set de filmación cuando las luces se mueven con tanta frecuencia. 


Las luces LED generan muy poco calor y son preferidas por muchos directores de fotografía independientes y caseros porque son baratas y consumen menos energía. Sin embargo, los colores y las sombras que proyectan pueden ser poco confiables y difíciles de igualar, bombilla por bombilla. 


Las luces incandescentes, por otro lado, generan mucho calor, pero generalmente dan una luz cálida y amarilla que puede ser muy atractiva. Y luego tenemos los HMIs, o... esto... 


Estas son luces masivas que emiten una cantidad enorme de calor. Son tan brillantes que a menudo se usan para simular la luz del día. Como en, el sol. Entonces, ese es el hardware, pero además de elegir cuál de estas luces se debe usar, el director de fotografía también tiene voz en cómo se organizan. El estilo más básico de iluminación, usado en todo, desde entrevistas formales hasta películas de ficción, es la iluminación de 3 puntos. 


Comienzas con una luz principal, que es la más brillante, a menudo posicionada para que brille más directamente sobre el sujeto de la toma. 


Luego agregas algo de luz de relleno, que es una luz más tenue y difusa usada para rellenar las sombras creadas por la luz principal. 


Finalmente, la luz de contra, que generalmente es más brillante que la luz de relleno, brilla desde detrás del sujeto de la toma. Esto crea un "halo" o "borde" de luz que contornea al sujeto y lo separa del fondo. 

Una de las preguntas con las que lucha el director de fotografía es descubrir de dónde viene la luz en el mundo de la película. Esto determinará la dirección, el color, la intensidad y la calidad de la luz que ilumina la toma.

 A veces, los directores de fotografía utilizarán luces prácticas, que son fuentes de luz que realmente puedes ver en la toma, como lámparas de escritorio o ventanas. Otras veces, deliberadamente utilizarán luces artificiales, o incluso recurrirán a una estrategia más radical para iluminar sus películas.


Los directores de fotografía Néstor Almendros y Haskell Wexler filmaron famosamente Days of Heaven de Terrence Malick utilizando luz natural, principalmente ese breve período del día inmediatamente antes del atardecer, a menudo llamado hora mágica. 


Mientras trabajaba en Catch-22, David Watkin dijo: "Voy a hacer algo bastante atrevido. Voy a iluminar a los actores solo con explosiones". ¡Y lo hizo! La directora de fotografía Ellen Kuras se basó en una combinación única de luces prácticas y artificiales para crear las transiciones y efectos inusuales de la pérdida de memoria de Jim Carrey en Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Malik Hassan Sayeed es un maestro del estilo, filmando todo, desde He Got Game de Spike Lee hasta Lemonade de Beyoncé. 

Cuando Gordon Willis decidió iluminar El Padrino de tal manera que los ojos de Marlon Brando a menudo estuvieran en sombra, se consideró una estrategia arriesgada y atrevida. Los directores de fotografía supuestamente debían iluminar los ojos de un personaje. ¡Así es como se hacía! En cambio, Willis eligió usar este "error" de iluminación para ilustrar el alma oscura e insondable de Don Corleone.

Ahora, el

director de fotografía también trabaja en estrecha colaboración con el diseñador de producción, que es el jefe del departamento de arte. El diseñador de producción está a cargo de llevar a cabo todo el aspecto de la película, particularmente los elementos físicos como decorados, vestuarios, accesorios, peinado y maquillaje, pero también elementos no físicos como imágenes generadas por computadora y cómo interactúan con los objetos físicos en la cámara. 

El director de fotografía y el diseñador de producción trabajan estrechamente en todo, desde el esquema de color de un set hasta qué tan reflectantes deben ser sus paredes. 

Y seguramente, además de la iluminación, los directores de fotografía tienen que considerar todo tipo de factores al configurar sus tomas. No solo las tomas deben cortarse juntas para contar la historia, sino que a menudo están construidas para tener un principio, un medio y un fin propio. 

El director y el director de fotografía deben decidir cuánto del encuadre debe estar enfocado, usando la elección de lentes, la película y la apertura.

 

Relacionado con eso, el director de fotografía debe pensar en qué se presenta en el primer plano, el segundo plano y el fondo de la toma.
La disposición de estos elementos dentro del encuadre puede tener un impacto profundo en la audiencia. El color y el contraste también caen dentro del arsenal estético del director de fotografía. 


El color se puede usar para atraer o alejar nuestra mirada de una parte del encuadre, hacer enlaces narrativos o temáticos, o - como en El Mago de Oz - ¡transportarnos a un lugar completamente nuevo! El contraste, que se refiere a la relación entre las partes más oscuras de la imagen y las partes más claras, puede realizar muchas de las mismas funciones. 


Antes de que hubiera color en el cine, el contraste era una herramienta particularmente poderosa para los directores de fotografía. Clásicos noir como El tercer hombre de Carol Reed utilizan sombras profundas y oscuras cortadas por brillantes haces de luz para transmitir una sensación de misterio y amenaza. Los directores de fotografía también pueden decidir mover la cámara para evocar un sentimiento o efecto psicológico particular. Este movimiento puede ser tan simple como un paneo o una inclinación para seguir la acción, o tan involucrado como el dramático movimiento de grúa de Ciudadano Kane a través de la parte superior de un club nocturno. 


Mover la cámara hacia un personaje puede transmitir una variedad de emociones, desde el miedo que se acerca a ellos, hasta alguna especie de revelación interna. Hay algunas tomas de empuje bastante entretenidas en YouTube. Te hace darte cuenta de que esta técnica se usa en todas partes. ¿Ahora, qué sucede después de que la película está en la lata? ¿El trabajo ha terminado, verdad? Por supuesto que no. El director de fotografía también está muy involucrado en la postproducción de una película, porque el proceso de edición ofrece muchas oportunidades para manipular las imágenes que se han capturado. 

Si una película ha sido filmada en película, hay todo tipo de opciones para cambiar el color o la exposición al alterar los productos químicos y el tiempo, mientras el negativo expuesto se desarrolla y procesa. 


Pero ya sea que la película haya sido filmada con película tradicional o un proceso digital, la mayoría de las películas se digitalizan en algún momento, para facilitar la edición. Y una vez que las imágenes se han convertido en información digital, aún más opciones se abren para manipular las imágenes. 


Los filtros en aplicaciones de fotos como Instagram te dan una idea de cuánto puedes cambiar una imagen digital después de haber sido filmada. 


Para mantener el aspecto de la película, el director de fotografía casi siempre está profundamente comprometido en este proceso, trabajando mano a mano con el director, el editor, el supervisor de postproducción que supervisa esta fase del proceso y el departamento de efectos especiales. Así que sí, es un trabajo bastante grande. 

Hay un documental fantástico llamado Visions of Light que rastrea la historia y el arte de la cinematografía. Está agotado, pero si puedes encontrar una copia, puedes escuchar algunas de los maestros originales del medio compartir sus historias y ver ejemplos de su trabajo. Como con gran parte de la producción cinematográfica, hay pautas y costumbres cuando se trata de cinematografía, pero no hay reglas reales. El estilo correcto de iluminación o movimiento de cámara para una película será completamente incorrecto para otra. 

Depende del director de fotografía trabajar con el director para realizar su visión de la película, traduciéndola en imágenes que se cortarán para contar la historia. Hoy aprendimos sobre el trabajo multifacético del director de fotografía. Cubrimos los diversos roles de los departamentos de cámara e iluminación y cómo trabajan juntos para realizar la visión de un director. 

Y consideramos algunas de las herramientas y estrategias disponibles para el director de fotografía. La próxima vez veremos el fascinante trabajo en el set de diseñadores de escenarios, diseñadores de vestuario y maquillaje de efectos especiales.