Entonces, tengo un guion para trabajar, para hablarte sobre la dirección.
Pero ¿Qué crees que deberíamos hacer en este video?
¿Debería mostrarte lo que hace un director?
¿Debería explicar todo lo que hace un director?
¿Debería intentar que adivines qué hace un director?

A menudo, la gente asume que el director tiene todas las respuestas, pero los directores hacen muchas pregunta.


Según el dramaturgo y cineasta estadounidense David Mamet, los directores solo tienen dos preguntas principales que hacerse: ¿Qué les digo a los actores? ¿Y dónde pongo la cámara?

Y esa es una manera ingeniosa de abarcar mucho de lo que debería hacer el director. 

Pero tal vez una mejor manera de verlo es que el director tiene un fuerte sentido de dónde están enterradas las respuestas, y su trabajo es guiar a su equipo hacia donde puedan descubrir esas respuestas. Eso puede sonar un poco pretencioso, pero es la forma más clara en que puedo describir lo que implica el trabajo de un director.
Un director debe usar todo a su disposición para comunicarse claramente con sus actores, su equipo y, en última instancia, con nosotros, el público. El trabajo de un director es dar vida a su visión en la película.
Entonces, un malentendido común es que los actores son solo como marionetas, ilustrando las ideas del director.


El trabajo de un actor es dar vida a un personaje. Y necesitamos que los actores piensen en pensamientos reales y sientan emociones reales para que la película sea relatable.



Un buen actor le da opciones al director, tomando decisiones informadas sobre cómo actuaría un personaje en las diversas situaciones en las que el guion los coloca. 


Hemos hablado sobre el lenguaje de la cámara y cómo la forma en que se enmarca la toma puede ayudar a transmitir una historia. Pero el trabajo más importante de la cámara es leer los pensamientos de los personajes. Para que eso suceda, los actores deben ser vulnerables y pensar como el personaje.

Este es un trabajo increíblemente exigente, así que depende del director asegurarse de que los actores tengan un espacio seguro para explorar sus personajes y tomar riesgos. 

Y el actor depende del director para guiarlos en la dirección correcta. Bromeé antes sobre hacerte adivinar qué diría en este video. Eso se debe a que obligar a un actor a una posición en la que no esté seguro de cómo actuar en una escena es una forma de arruinar su actuación.
Si un actor siente que necesita dirigirse a sí mismo en una escena, no arriesgarán perderse en el mundo de la película, y se sentirá falso. 

Para darle al actor la confianza que necesita para habitar un personaje, el director debe dar instrucciones claras y accionables.

¿Qué quiero decir con eso?

Bueno, digamos que estamos trabajando en una escena sobre una ruptura. Una dirección clara y accionable podría ser: "Dado que tu personaje ha sido cegado por esta ruptura, quieres evitar que la otra persona salga de la habitación para obtener respuestas". 


El actor que recibe esta dirección ahora sabe que su personaje acaba de descubrir que estaba equivocado sobre el otro personaje y que tiene como objetivo evitar que la otra persona se vaya.
Saben de dónde vienen y hacia dónde quieren ir. Ahora, pase lo que pase en la escena, este actor puede sentirse seguro en sus decisiones si está trabajando para mantener a la otra persona en la habitación. Por otro lado, una dirección poco clara o no accionable en esa escena de ruptura podría ser: "Deseas que esto no esté sucediendo y te recuerda cuando tus padres se divorciaron".

¿Cómo actúas "deseando" o "recordando" algo?

Eso es demasiado vago. 


Pero si el director supiera lo que querían, podrían decirle al actor algo así como: "Ves a esta persona como el padre que te abandonó cuando tenías 10 años y, al igual que entonces, harás cualquier cosa para mantenerlo aquí". Entonces, esta es una nota más manejable, porque nuestro actor comprende la dinámica de poder de esta relación y sabe que está utilizando las mismas herramientas que un niño de 10 años. Y, lo más importante, el actor ahora tiene un objetivo: "Evitar que la otra persona se vaya".


Entonces, el director tiene un plan para cómo le gustaría que fuera la escena, y los actores agregarán sus propias interpretaciones a eso, y la esperanza es que descubran la mejor escena posible. 

Es posible que un director obtenga la escena que imagina sin permitir que los actores hagan su trabajo, pero esto no construye confianza ni crea las condiciones para una película mejor de lo que el director es capaz de imaginar. 

Esto es algo que la autora e instructora de dirección Judith Weston llama dirección orientada a resultados, y es un error común de los nuevos directores que se centran en los aspectos superficiales de la actuación en lugar del verdadero trabajo que conlleva.

En lugar de trabajar con los actores para desentrañar lo que significa la línea y cuál es el propósito de la escena, un director se centrará en la emotividad externa e intentará controlar cómo hace las cosas un actor. Tal vez hayas escuchado direcciones como: "En esa línea, ríe" o "Cuando la veas, empiezas a llorar". Esto no le dice al actor nada sobre lo que realmente piensa y siente su personaje.

Un director podría pensar que está ayudando al actor al decirle cómo debería decir la línea o dónde debería poner énfasis en la línea, pero esto se llama lectura de línea y limita al actor a simplemente imitar al director en lugar de comunicar lo que el personaje está sintiendo. 

Una dirección orientada a resultados generalmente le dará al director lo que cree que quiere en ese momento, pero a un costo bastante alto. Estos directores solo prestan atención a cómo lucen los personajes externamente en lugar de lo que está sucediendo en sus mentes.


Y cuando estás trabajando con un buen actor que está pensando en pensamientos reales, la cámara --y por lo tanto, el público-- puede captar esos pensamientos. El resultado será una actuación más profunda y matizada que cuando el actor está simplemente mimando lo que el director les dice que hagan. 


Es importante recordar que hacer cine es colaborativo por diseño, y si bien el director es el líder creativo, insistir en que la película resulte exactamente como el director la imagina limitará gravemente la película. La dirección orientada a resultados también puede romper la confianza que se ha construido entre el director y el actor.
Después de todo, si un director no puede confiar en un actor para experimentar y descubrir lo que se necesita de una escena, entonces ¿por qué debería confiar el actor en el director? 

El perjudicial atajo de las lecturas de línea se puede evitar dedicando tiempo para ensayar. Y el ensayo es una excelente manera de que el director y los actores construyan confianza. 

Algunos directores, como Sydney Lumet, son sutiles al respecto.


Lumet le diría a cada persona dónde sentarse en la primera lectura de un guion. Esto dejaba claro a los actores que él tenía un plan y estaba seguro de sus elecciones.


Directores como Mike Leigh son más abiertos sobre la construcción de confianza en el ensayo. Leigh trabaja intencionalmente con actores que estén dispuestos a explorar temas e ideas antes incluso de tener un guion. Trabajan juntos en las escenas propuestas, y luego Leigh desarrolla un guion en torno a lo que han descubierto juntos en el proceso de ensayo.

Para cuando las cámaras estén rodando, los actores han estado viviendo y creciendo como estos personajes, y saben cómo abordar cada escena. Desde el ensayo hasta el corte final, el trabajo de un director siempre incluye guiar a los actores en sus roles y dar forma a esas actuaciones, pero el director también trabaja con todos los departamentos creativos en una película. Eso es lo que Mamet llama "dónde poner la cámara", pero implica mucho más que eso.

Al igual que con los actores, el director debe comprender profundamente los otros departamentos para poder comunicarse claramente con todos. Durante la preproducción, el director instruye a los buscadores de locaciones sobre lo que necesita la película en su entorno. Trabajan con el diseñador de producción, los decoradores de set y el departamento de utilería para construir el mundo y orquestar todo en la puesta en escena.


Y antes de que los actores lleguen al set, el director debe entender a los personajes de la película para comunicar sus personalidades y luchas al diseñador de vestuario. Tanto antes como durante el rodaje, el director trabaja con el departamento de maquillaje y efectos especiales para perfeccionar los detalles de la narración.

Y sí, el director decide dónde poner la cámara.

Hay un número infinito de formas de hacer que una toma se vea genial o hermosa, pero generalmente hay una mejor manera de filmar una escena cuando recuerdas que cada toma debe estar motivada por lo que la escena está tratando de transmitir. 

Lo que motiva la ubicación y el movimiento de la cámara puede ser práctico: por ejemplo, si necesitas mostrar a alguien conduciendo, debemos ver quién es y también ver que están en un auto.


Pero cómo decide el director usar la cámara también puede ayudarnos a comprender algo más profundamente sobre el personaje o los temas de la película.


Comenzando en la preproducción, el director y el director de fotografía trabajan juntos para diseñar la lista de planos. 


Por lo general, trabajarán con un dibujante de storyboards para ilustrar cómo se verán los planos y trabajarán a partir de los storyboards como referencia.

Pueden hacer esto antes de que se decidan las ubicaciones, y es posible trabajar en ello incluso antes de que se elijan los actores, porque lo que determina cómo se filma una película es ese plano que mencionamos antes: el guion. 

Al igual que cada línea de diálogo, cada plano debería transmitir nueva información al público. Deberíamos poder ver una película con el sonido apagado y aún así poder intuir qué está sucediendo en la película.

Deberíamos poder saber cosas como quién es nuestro protagonista, qué quieren, qué se interpone en su camino y cómo se sienten. Una vez que sepamos qué decir a los actores y dónde colocar la cámara, todavía queda un trabajo enorme para el director: la postproducción. Al igual que con todos los demás líderes creativos, el director necesita comunicar la historia con el editor y los compositores para contar la mejor versión de la historia.


El proceso de edición introduce la capa final de descubrimiento para el director. El director es la fuerza guía para descubrir las respuestas hasta el corte final. Cuál es la mejor versión de la historia depende del director y de la película. Mientras un director lidera a su equipo para desbloquear esa mejor versión, también son los tomadores de decisiones. 


Tienen toda la película en sus cabezas, y actores, directores de fotografía, diseñadores, editores y compositores les dan opciones que creen que son las respuestas correctas para esta película.

Entonces el director elige cuáles son los mejores. Dependiendo del tamaño de la producción, es posible que el director no sea quien dé la orden de acción o corte, pero el director siempre es quien dice: "Sí, eso es lo que quiero". Hoy exploramos el papel del director como líder y guía creativo para todos los demás que trabajan en la película.

Aprendimos que el director debe tener una visión sólida y poder comunicarla claramente. Y hablamos sobre cómo uno de los trabajos más importantes del director es crear el espacio seguro para que el resto de su equipo realice su trabajo creativo. Uno de esos miembros del equipo es el director de fotografía, sobre el que hablaremos la próxima vez.